THE ELECTRONIC CORNER

In questo episodio di The Electronic Corner, ci immergiamo nel genere della musica ritmica industrial noise con un’intervista a Stahlschlag. Scopriamo cosa ci ha detto.

Sir Joe: Cosa ti ha ispirato a creare musica nel genere ritmico e industrial noise?

Stahlschlag: Questa è una storia che amo raccontare, perché devi sapere che questo genere non mi piaceva.
Quando ho iniziato a fare musica, mia moglie era molto appassionata di gruppi come XOTOX e KiEw: amava l’industrial noise.
All’epoca io mi occupavo di altre cose, principalmentemusica elettronica dark. Così mi ha chiesto: “Perché non provi a creare qualcosa tipo XOTOX e KiEw?”. Io iniziato a cambiare suoni, a creare parti percussive, a sperimentare con la distorsione, ad aggiungere un po’ di rumore e mi sono innamorato di questo tipo di musica.
È così che è nato Stahlschlag. È stata sua l’idea di chiamarlo Stahlschlag, perché è una parola tedesca dal suono duro che descrive bene la musica. Inizialmente era solo un esperimento. Abbiamo creato alcune canzoni e le abbiamo condivise su Internet, sul nostro sito e su una piattaforma chiamata mp3.de.
I DJ delle stazioni radio online ci hanno notato e ci hanno contattato. Non ci aspettavamo nulla, ci eravamo limitati a far uscire la nostra roba. In seguito, un’etichetta discografica ci ha contattato e ha pubblicato il nostro primo album.
Quindi, la storia è iniziata nel 2006 e ora, nel 2024, sono ancora qui, faccio ancora musica e non credo che smetterò presto.

Stahlschlag: Tutta la mia musica porta con sé un messaggio. In primo luogo, riflette le mie emozioni, che siano rabbia, tristezza o contemplazioni sul funzionamento o sul malfunzionamento della società e sul nostro impatto sul mondo.
Questi temi permeano la mia musica e i miei album hanno spesso un tema o un argomento specifico.
A volte c’è un messaggio intenzionale, mentre altre volte sperimento diversi elementi e li compongo in un album.
Per esempio, potrei incorporare melodie di synth più morbide o smielate e giustapporle al rumore industriale. Il prossimo album che ho in programma di pubblicare in estate segue un tema industriale tribale, incorporando elementi mistici come strumenti etnici e voci indiane. Non si tratta esattamente di un concept album, ma mi piace coltivare un suono distinto per ogni album, infuso di messaggi di fondo.
Gli album più recenti trattano di questioni sociali, come “Alive!” che risponde alla pandemia COVID-19. All’epoca, la mia frustrazione nei confronti di coloro che si opponevano alle misure di sicurezza, come l’uso della maschera, ha generato brani come “Hate” e “Wohlstandstrotz”.
Il mio album più recente riflette il conflitto in corso tra Russia e Ucraina. Tuttavia, non promuovo attivamente i miei album con un messaggio specifico. Pur essendo consapevole della situazione, apprezzo il fatto che gli ascoltatori sviluppino propri pensieri, idee e sentimenti su questi temi.

SJ: Parliamo del tuo progetto collaterale Fundustrial: Perché hai sentito il bisogno di crearlo e come hai incorporato campioni di cartoni animati?

Stahlschlag: Sono un fan del wrestling fin dalla mia infanzia, negli anni ’80 e ’90, quando in Germania era un fenomeno di massa con figure iconiche come Hulk Hogan e The Undertaker.
Qualche anno fa, ho riscoperto il mio amore per il wrestling grazie alla serie di giochi WWE 2K. Di recente ho acquistato l’ultima versione in offerta e mi sono divertito molto.
Durante un evento Twitch dedicato al wrestling, ho suggerito scherzosamente nella chat: “Ehi, potrei crearvi tutti e farvi combattere l’uno contro l’altro”. Questo è successo circa quattro settimane fa e poi ho capito che potevo realizzarlo, così ho chiesto in giro e ho pubblicizzato l’evento. Ora abbiamo quasi 50 partecipanti.
Si tratta di un gioco di simulazione, quindi tutti i combattimenti sono simulati e nessuno gioca attivamente. Rendo ogni lottatore ugualmente forte per mantenere un’atmosfera casuale, evitando un’atmosfera competitiva: si tratta solo di divertimento.
La comunità è in costante crescita e c’è spazio per altri partecipanti. Richiedo solo una foto con la testa e la parte superiore del corpo, un logo e un elenco di canzoni preferite dai partecipanti. Questi elementi vengono incorporati nel gioco.
L’aspetto unico è che le canzoni del titolo contengono la musica degli artisti, con l’obiettivo di promuovere il loro lavoro. Possiamo ospitare fino a 200 lottatori personalizzati e ci sono ancora 50 posti disponibili.

SJ: Come affronti la collaborazione con altri artisti? Di solito li contatti o è il contrario? Si tratta per lo più di amici o, se un’idea ti piace, anche un perfetto sconosciuto può chiedere di fare qualcosa con te?

Stahlschlag: Le collaborazioni avvengono in vari modi, spesso non pianificati e spontanei. A volte mi imbatto in qualcosa di bello su Instagram, ad esempio, e contatto l’artista. Parliamo un po’ fino a quando, occasionalmente, emerge l’idea di una collaborazione.
Per gli album di remix, di solito pubblico la mia musica e invito chi è interessato a remixarla a mandarmi un messaggio. È fantastico che molte persone mostrino interesse e si lascino coinvolgere.
In un caso recente, ho collaborato con dei vocalist per un progetto di remix. Hanno scritto i testi di alcuni miei brani e hanno registrato le voci. Sono aperto a diverse possibilità creative e mi piace molto collaborare.
Entrare in contatto con persone e artisti di tutto il mondo è uno degli aspetti più belli di questa esperienza. L’idea del wrestling, ad esempio, mette in contatto persone che non avevano mai preso in considerazione questo tipo di iniziative.
Sebbene sia sempre emozionante pubblicare nuova musica, ricevere feedback e vedere i DJ suonare i miei brani, la parte più sorprendente è entrare in contatto con persone provenienti da Stati Uniti, Paesi Bassi, Italia e oltra paesi – tutto perché faccio del “rumore”. È davvero incredibile.
Un momento degno di nota è stato quando XOTOX, il mio idolo, mi ha contattato per remixare una delle mie canzoni. È stato surreale e abbiamo finito per remixare reciprocamente la nostra musica.
So che recentemente hai intervistato Ultra. Abbiamo collaborato a una canzone, abbiamo creato un video insieme e abbiamo esplorato vari livelli creativi. L’intera esperienza è molto divertente e davvero sorprendente.

SJ: Come sai, la mia ultima domanda riguarda la cosiddetta “dimostrazione in studio”. Questo concetto non è affatto nuovo per te, dato che hai un tuo canale su Twitch in cui mostri come produci la tua musica utilizzando Renoise. Cosa ti ha spinto a scegliere questa DAW rispetto a prodotti più famosi?

Stahlschlag: Tutto è iniziato come una coincidenza, come molte altre cose nella mia carriera musicale. Quando avevo 16 anni, un amico di mio fratello maggiore che produceva musica con PathTracker, un tracker Microsoft DOS, era venuto a trovarlo. Ero rimasto completamente affascinato dal processo.
Avendo un debole per la programmazione e i computer, mi piaceva il modo in cui creava la musica utilizzando quelle che potremmo definire tabelle, inserendo le note passo dopo passo.
Ispirato, ho deciso di provare a produrre musica. Armato di un vecchio computer, di una scheda audio SoundBlaster mono (8-bit) e di una collezione di campioni, sono partito da zero e ho creato i miei primi brani.
Man mano che procedevo, ho scoperto Renoise, un tracker realizzato da due persone che avevano lavorato su Ableton Live. Per loro era quasi un progetto per hobby, che mirava a modernizzare il concetto di tracker.
Mentre i tracker tradizionali vengono spesso utilizzati per comporre musica per i giochi per computer e hanno una vivace scena demo, Renoise abbraccia la modernità. Anche se la sua interfaccia non sembra all’avanguardia, è in grado di soddisfare tutte le tue esigenze, con effetti, sintetizzatori, sidechaining e tutto ciò che si trova in software come Cubase, Fruity Loops o Ableton Live.
L’assenza di un piano roll, di cui alcuni artisti sentono la mancanza, non mi disturba, dato che ho sempre lavorato dall’alto verso il basso piuttosto che da sinistra verso destra.
Anche se ho sperimentato brevemente altri software, sono sempre tornato a Renoise. I due sviluppatori sono ancora attivi e forniscono costantemente aggiornamenti per migliorare la stabilità. Inoltre, Renoise è conveniente rispetto ad altri software e offre tutti gli strumenti necessari. È anche la mia piattaforma preferita per suonare la mia musica da vivo.
Essendo uno sviluppatore e programmatore di software di professione, apprezzo il fatto di lavorare con Renoise perché mi sembra familiare. Non uso sintetizzatori hardware, e Renoise mi aiuta a creare rapidamente i beat.
Gestisco cinque progetti musicali, producendo di tutto, dalla dark ambient alla minimal EBM e al noise industriale con Renoise.

SJ: Oltre a Renoise, quali sono gli altri strumenti per fare musica a cui sei particolarmente affezionato?

Stahlschlag: Gestisco tutte le registrazioni e i missaggi con Renoise, ma per il mastering mi rivolgo a Reaper. Questa scelta mi permette di avere tutte le tracce in un unico progetto, rendendo più semplice il confronto. È un po’ difficile ottenere questo risultato in Renoise, ma dato che preferisco una configurazione “in the box”, non faccio molto affidamento sull’hardware, riservandolo principalmente alle mie esibizioni dal vivo.
Quando mi esibisco dal vivo, non posso semplicemente premere il tasto play e lasciar fare tutto al computer. Al contrario, integro hardware e controller per migliorare l’esperienza. La scelta di un approccio completamente software in studio dipende anche dai vincoli di spazio. Sebbene ammiri coloro che possiedono molti sintetizzatori, io abito in un piccolo appartamento, il che mi lascia poca scelta.

(Ora ti invito a guardare il seguente video, a partire dal minuto 21:05, dove possiamo esplorare la stanza in cui viene creato tutto il materiale di Stahlschlag).

Ringraziamo Stahlschlag per questa intervista e non vediamo l’ora di sfidarlo in un evento di wrestling. 🙂

Ricordati di dare un’occhiata al suo sito internet ufficiale

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